Ein KI-Film – auch AI Video oder KI Video – ist ein Film, dessen Bilder, Bewegungen, Stimmen, Musik oder andere Gestaltungselemente vollständig oder teilweise mithilfe generativer künstlicher Intelligenz entstehen.
Ganz anders »Die Odyssee« {*} (GB/USA 2026): Die Adaption eines der wichtigsten Werke menschlicher Weltliteratur, besetzt mit körperlich arbeitenden, echten Darsteller:innen, handwerklich aufwändig mit IMAX-Kameras gefilmt, unter Aufbietung tausender Statisten an Originalschauplätzen gedreht, produziert ohne digitale Effekte.
Eins ist sicher:
»KI-Technologie ist ein die Gegenwart beherrschender Megatrend.«
Und je stärker sich AI-Video-Technologie verbreitet, desto drängender werden die Fragen nach der Akzeptanz und des Werts KI-generierten Bewegtbilds im Vergleich zum klassischen Film.
Denn ungeachtet der rasanten Entwicklung und der steigenden Technologieadoption werden KI-generierte Filme hierzulande für ästhetisch minderwertig befunden und weithin abgelehnt.
Anders sieht es bspw. in China aus, wo mitunter vollständig KI-generierte, für das Smartphone-Display im 9:16-Format produzierte Micro Dramas ein Publikum von rund 700 Millionen Menschen finden.
Ein gewaltiges Risiko für Unternehmen, Agenturen, Sender, Streamingdienste und Medienschaffende:
»Verschlafen sie die Entwicklung, fallen sie zurück und werden von agileren Playern verdrängt; produzieren sie an der Akzeptanz und Wertschätzung ihrer Publika vorbei, droht ihnen gleichermaßen das Abrutschen in die Bedeutungslosigkeit.«
Nachdem ich bereits vor einiger Zeit »7 Zukunfts-Thesen zu KI in den Bewegtbild-Branchen« entwickelt habe, werde ich diesem Artikel darlegen, welche Faktoren Bewegtbild aufwerten, teils ungeachtet seiner Entstehungsweise, ob KI-generiert oder nicht.
Aus diesen Faktoren leite ich klare, praktische Maßgaben ab, vermittels derer Medien-Auftraggeber:innen wie Unternehmen, Sender und Streamingdienste einerseits und Medienschaffende andererseits den Wert ihres Bewegtbild-Contents und infolgedessen auch die Akzeptanz desselben steigern können – was sich zuletzt in Relevanz, Reputation und Umsatz niederschlägt.
KI-Video wird (noch) nicht akzeptiert
Zurück zum »KI-Film«. Der Begriff bezeichnet kein einheitliches Produktionsverfahren. KI kann bei Recherche helfen, Storylines entwickeln, Drehbücher formatieren, Storyboards entwerfen und einzelne Einstellungen oder Sequenzen erzeugen, auf Basis einer Texteingabe (»text to video«) oder anhand zuvor (ggf. ebenfalls via KI) produzierter Bilder (»image to video«).
Selbst ein »vollständig« KI-generierter Film entsteht aber nicht ohne Menschen: Jemand entwickelt das Konzept, formuliert Vorgaben, wählt Bilder aus, verwirft Varianten, montiert das Material und entscheidet, welche Geschichte erzählt wird. Dies ist zeitraubender, als gemeinhin angenommen und verursacht Kosten, wenngleich diese niedriger sind, verglichen mit klassischer Filmproduktion.
Wie ist’s nun aber konkret um die Akzeptanz bestellt?
Laut ARD Media wird zwar KI-gestützte Recherche von 64% der Deutschen befürwortet, vollständig generierte Bilder werden aber von 66% abgelehnt.
Ungeachtet dessen erwarten laut Bitkom Research 43% der Deutschen, dass KI in zehn Jahren einen großen Teil Filme und Serien produzieren wird, 67% sehen darin eine Gefahr für die klassische Filmindustrie und nur 29% würden einen Academy Award (»Oscar«) für einen KI-Film billigen.
KI-Video-Software wie Veo, Runway, Kling AI, Luma Dream Machine, Mini Max Hailuo, Pika und Adobe Firefly Video wird immer leistungsstärker und zusehends allerorten und für jedermann verfügbar.
Zukünftig ist folglich damit zu rechnen ist, dass die Zahl klassisch gedrehter Filme abnimmt und eine Flut KI-generierten Bewegtbildmaterials droht. Ein weiterer Grund, sich mit Wert oder Unwert von Filmen zu beschäftigen.
Die entscheidende Frage, die sich jetzt stellt, lautet :
»Welche Eigenschaften muss ein (KI-)Film heutzutage entwickeln, um akzeptiert, besser noch: als wertvoll erachtet zu werden?«
Christopher Nolans {*} »Die Odyssee« (2026) bildet für die Wertdiskussion nicht allein ein triftiges Beispiel für einen klassisch gedrehten Film, der etliche Wertfaktoren auf sich vereint.
Er bildet überdies eine produktive Gegenposition zu AI Video. Zumal Nolan in einem Interview mit dem Telegraph sinngemäß sagte:
„Das bedeutet zwar nicht, dass jeder Aspekt der [KI-]Technologie nutzlos oder bedeutungslos ist, aber für das Filmemachen kommt sie genau zum falschen Zeitpunkt.“
Christopher Nolan
Nolan lehnt KI-Technologie also nicht rundheraus ab. Er argumentiert vielmehr, dass KI gerade zu einem Zeitpunkt in die Filmproduktion dränge, als wieder stärkeres Interesse an »greifbareren, realeren Formen des Geschichtenerzählens« entstehen und als solche goutiert werden.
Die »Odyssee«: Wertvolle Stoffgrundlage
Der antike Stoff, den der Regisseur adaptierte, ist zweifellos eine der wichtigsten Ursprungserzählungen der westlichen Kultur. Neben der Ilias bildet die Odyssee (altgriechisch ἡ Ὀδύσσεια, hē Odýsseia) das zweite Epos, das traditionell dem griechischen Dichter Homer zugeschrieben wird, beides Werke, die zu den ältesten schriftlich überlieferten und bedeutendsten Dichtungen der abendländischen Literatur gelten.
[ Büste des antiken Dichters Homer, British Museum ]
Vermutlich entstand die Odyssee im 8. oder 7. Jahrhundert v. Chr. in Ionien. Spätestens seit der Mitte des 6. Jahrhunderts v. Chr. war sie ein fester Bestandteil des klassischen Bildungskanons der griechischen Antike und später auch der römischen Kultur.
Sie prägte die wichtigsten Gattungen der altgriechischen Dichtkunst – Epos, Lyrik und Drama. Bis heute gehört die Odyssee zu den am häufigsten adaptierten Erzählstoffen und wurde vielfach in Literatur, Theater, Oper und Film aufgegriffen.
Mit einer Neuinterpretation der Odyssee hat sich Christopher Nolan also eine herausfordernde Aufgabe gestellt.
Aber: Als Grundlage wird der traditionelle Stoff gemeinhin akzeptiert und als von Wert erachtet.
Was bedeutet »Odyssee«?
Der Begriff « »Odyssee« bezeichnet ursprünglich die abenteuerliche Heimkehr des Odysseus nach dem Trojanischen Krieg.
Zehn Jahre lang wird der König von Ithaka durch Stürme, göttliche Eingriffe, Versuchungen und eigene Fehlentscheidungen an seiner Rückkehr gehindert.
Bis heute meint »Odyssee« deshalb im übertragenen Sinn eine lange, beschwerliche Reise voller Umwege und unvorhersehbarer Prüfungen.
Im Mittelpunkt von Homers »Odyssee« steht nicht allein die Heimkehr eines Krieger-Königs nach Ithaka, sondern die Verwandlung, die sich auf dem Weg dorthin vollzieht. Odysseus begegnet dem Zyklopen Polyphem, der Zauberin Kirke, den Sirenen und der Nymphe Kalypso; er verliert seine Gefährten, muss Versuchungen widerstehen und seine eigene Identität wiederholt verbergen oder neu behaupten.
Während seine Frau Penelope zu Hause auf seine Rückkehr wartet und sein Sohn Telemachos nach dem verschollenen Vater sucht, wird Heimkehr zu einer Frage von Erinnerung, Treue und Selbsterkenntnis.
[ John Williams Waterhouse: Odysseus und die Sirenen (1891) ]
Die Odyssee im Film: Immer wieder neu interpretiert
Christopher Nolan war nicht der Erste, der sich an eine Verfilmung des bedeutungsschweren Stoffs wagte.
Die wohl früheste Verfilmung ist wohl L’Île de Calypso – Ulysse et le géant Polyphème (1905) des Kino-Pioniers George Méliès, der in seinem Film selbst Odysseus verkörpert.
1911 folgte mit L’Odissea / Homer’s Odyssey von Francesco Bertolini, Adolfo Padovan und Giuseppe De Liguoro ein rund 44 Minuten langer Spielfilm, der als erste zusammenhängende Verfilmung des gesamten Stoffs gilt.
Mario Camerinis »Die Fahrten des Odysseus (Ulysses)« {*} von 1954 übersetzte die Irrfahrt mit Kirk Douglas in das körperliche Abenteuerkino seiner Zeit und visualisierte Götter, Zauberinnen und Ungeheuer an realen Schauplätzen mit praktischen Filmtricks.
Franco Piavolis »Nostos: The Return« {*} von 1989 verwandelte denselben Stoff dagegen in eine traumartige Meditation über Erinnerung, Krieg und Heimkehr.
»Rückkehr nach Ithaka« {*} von Uberto Pasolini aus dem Jahr 2024 konzentriert sich schließlich auf einen körperlich und seelisch verwundeten Odysseus (Ralph Fiennes), der nach seiner Rückkehr mit den Folgen des Krieges leben muss.
Vergleicht man die Filme, zeigt sich: Originalität setzt keinen neuen Stoff voraus. Sie entsteht auch dann, durch Auswahl, Perspektive und Transformation, wenn eine bekannte Geschichte für eine andere Zeit neu befragt und in eine eigene Bildsprache übersetzt wird.
Eine besonders originelle Adaption von Homers Odyssee hat im Übrigen auch unsere Vorstellung von Künstlicher Intelligenz maßgeblich geprägt.
»2001: Odyssee im Weltraum« (GB/USA 1968)
Stanley Kubricks Science-Fiction-Epos »2001: Odyssee im Weltraum« {*} überträgt die Odyssee in die Zukunft und visualisiert eine existentielle Reise unserer Spezies zu den Grenzen menschlicher Erkenntnis. An die Stelle von Meeren, Inseln und mythischen Wesen treten der Weltraum, eine unbekannte außerirdische Intelligenz und die nächste Stufe der Evolution.
Mit dem sonor-hypnotisch sprechenden, durch seine rote Kameralinse an den einäugigen Zyklopen Polyphem gemahnenden Supercomputer HAL 9000 schuf »2001: Odyssee im Weltraum« eines der wirkungsmächtigsten Bilder künstlicher Intelligenz.
HAL – Kubrick verrückte die Buchstaben der IT-Firma IBM jeweils um eine Position im Alphabet zurück – spricht ruhig, argumentiert scheinbar rational und steuert nahezu alle lebenswichtigen Funktionen des Raumschiffs. Als seine Ziele mit denen der Besatzung kollidieren, wird aus dem zuverlässigen Assistenzsystem allerdings eine bedrohliche Macht, der die Menschen technisch unterlegen sind.
In HAL 9000 verdichten sich Ängste, die bis heute jede KI-Debatte begleiten: Die Angst, Kontrolle zu verlieren, von ihren undurchschaubaren Entscheidungen abhängig oder durch eine effizientere Maschine ersetzt zu werden.
2001 blieb nicht der letzte Film, der die gesellschaftliche Vorstellung künstlicher Intelligenz entscheidend mitgeprägt hat. Unsere Bewertung realer KI beginnt deshalb nicht bei null. Sie greift auf Bilder und Erzählmuster zurück, die das Kino über Jahrzehnte eingeübt hat.
Ängste bezüglich künstlicher Intelligenz, bespielen nicht nur den Kontrollverlust, sondern auch unsere Täuschung durch künstliche Menschen (Blade Runner {*}, Ex Machina {*}), dass Maschinen unsere Beziehungen ersetzen könnten (Her {*}, Ich bin dein Mensch {*}), KI ihren Schöpfer versklaven könnte (Matrix {*}) und Menschen überflüssig werden. Die Medienwissenschaftlerin Nadine Hammele hat sich in ihrer Dissertation Künstliche Intelligenz im Film. Narrative und ihre Entwicklung 1970-2022 {*} eingehend mit dem Sujet und dessen Implikationen beschäftigt.
Die kulturelle Vorgeschichte beeinflusst auch die Wahrnehmung eines AI Videos. Wer ein synthetisches Gesicht oder eine KI-generierte Stimme sieht, bewertet nicht nur deren technische Qualität. Unbewusst wird zugleich geprüft, ob hier ein hilfreiches Werkzeug eingesetzt wird. Oder ob menschliche Erfahrung, Arbeit und Verantwortung abgewertet und ersetzt werden.
Christopher Nolans »Die Odyssee«
Christopher Nolan übersetzt Homers Epos in ein Kino der materiellen Erfahrung. »Die Odyssee« ist der erste Spielfilm, der vollständig mit schweren IMAX-Filmkameras aufgenommen wurde. Gedreht wurde an internationalen Originalschauplätzen, mit rund zweitausend Statisten.
[ Foto: TalkTuahLunchly, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons ]
Was auf der Leinwand Gewicht besitzt, hat auch während der Produktion Widerstand erzeugt. Menschen mussten Entfernungen überwinden, schwere Technik bewegen, körperliche Leistungen erbringen und Entscheidungen unter Ungewissheit treffen, deren Ergebnis nicht beliebig reproduzierbar ist. Hiermit überträgt Nolan sozusagen die Abenteuerfahrt-Dramaturgie der Odyssee auf die Filmproduktion.
Fünf Ebenen filmischer Wertversprechen
Es kann nicht von der Hand gewiesen werden, dass die Zahl Mitarbeitender, das Maß physischer Anstrengung und die Größe des Aufwands sich qua (1) erbrachter Arbeitsleistung als Wert in die Filmrezeption einschreiben.
Nolans »Die Odyssee« entwickelt aber auf noch vier weiteren Ebenen Wert.
Bereits genannt habe ich (2) den Wert der Stoffgrundlage: Nolan wählte einen fast 3.000 Jahre alten, berühmten literarischen.
Doch dabei belässt es Nolan nicht. Er verdichtet das Material und interpretiert es aus einer gegenwärtigen Perspektive.
So kommt das Center for Security Studies der ETH Zürich bei seiner Analyse des Films auch zu dem Schluss, dass Nolans Odyssee dazu herausfordere, ganz neu über internationale Politik nachzudenken.
Autorin Sabina Stein führt das im Film vielzitierte »Gesetz des Zeus« heran: Fremde soll man demnach gastfreundlich behandeln, weil sie Götter sein könnten. Diese für die Griechen so wichtige Zivilisationsregel bricht Odysseus mit dem trojanischen Pferd. Ein Gastgeschenk wird zur Kriegslist, zum Instrument für einen Massenmord.
Nolan selbst betonte in Interviews betont, dass er das »Gesetz des Zeus« für hochbedeutsam erachtet. Es sei das »Rückgrat der Zivilisation«, zumal im Hinblick auf Völkerrecht und Menschenrechte.
Infolgedessen wird die antike Stoffvorlage durch den Film nicht nurmehr als historisch bedeutend gewürdigt, ihm wird überdies, und das ist Ebene (3), durch Neu-Interpretation zeitgenössische Relevanz verliehen.
Wertebene (4) liegt abermals in seiner Herstellung: Reale Orte, Darsteller, Ausstattung und handwerklich hergestellte Effekte schreiben sich als real stattgefunden, physisch beglaubigt in die Bilder ein.
Selbst die visuell beeindruckende Verwandlung von Odysseus’ (Matt Damon) Gefährten in Schweine durch die Zauberin Kirke (Samantha Morton) entstand nicht einfach durch digitale Animation, sondern mithilfe animatronischer Effekte und gezielter Schnitte.
Dass als wertvoll erachtet wird, wenn das Reale in den Film eingeht, ist untrennbar verknüpft mit frühen Filmtheorien.
Bereits Béla Balázs beschreibt in Der sichtbare Mensch {*} (1924) das Kino als Medium, das dem Menschen seine körperliche, mimische und gestische Sichtbarkeit zurückgibt, nachdem diese durch die Schriftkultur in den Hintergrund gedrängt worden sei.
Siegfried Kracauer radikalisiert diesen Gedanken in Theorie des Films. Die Errettung der äußeren Wirklichkeit {*} (1960) und bestimmt die genuine Aufgabe des Films darin, gerade das Zufällige, Kontingente und Unabgeschlossene der physischen Realität festzuhalten und zu »erretten«.
André Bazin argumentiert in seinen Essays zur Ontologie des photographischen Bildes bzw. in Qu’est-ce que le cinéma? (dt. z.T. Was ist Film? {*}), dass Fotografie und Film über einen kausalen, indexikalischen Abdruck der Realität verfügen, der sie grundsätzlich von gemalten oder rein konstruierten Bildern unterscheidet.
Vor diesem theoretischen Hintergrund erscheint KI-generiertes Bewegtbild als Bruch mit genau jener indexikalischen Bindung ans Reale, die Balázs, Kracauer und Bazin als Proprium des Films reklamieren, wohingegen der Realfilm nach wie vor für jene »Errettung der äußeren Wirklichkeit« im Sinne Kracauers stehen kann. Nolans Odyssee mit seinem Fokus auf »Echtheit« nimmt diesen Anspruch an den Film ernst.
Wertebene (5) betrifft die paratextuelle Vermittlung: Making-of-Material, Berichte über den Dreh und die Präsentation als großes Kinoereignis machen die Produktionsweise zum Bestandteil des Qualitätsversprechens und betonen die Einzigartigkeit des Produkts.
Welche Mythen ranken sich um die Produktion, welche Legenden haben sich gebildet, welcher Blick hinter die Kulissen ist spannend, welche Kämpfe, Widrigkeiten, Ambitionen, Animositäten gab es während der Entstehung des Films?
Legendär in dieser Hinsicht wurde etwa die Dokumentarfilm-Reportage Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse {*} über die Dreharbeiten zu Apocalypse Now {*}, die dem Regisseur Francis Ford Coppola ins Chaos zu entgleiten drohten. Der Dreh wurde von Naturkatastrophen und einer Explosion des Budgets heimgesucht, überdies erlitt Hauptdarsteller Martin Sheen einen Herzinfarkt, Coppola selbst geriet in eine psychische Krise.
Ähnlich legendär sind die Szenen, in denen Schauspieler Klaus Kinski gegenüber seinem Regisseur Werner Herzog bei den Dreharbeiten zu Fitzcarraldo {*} im peruanischen Dschungel die Contenance verlor, verewigt in Les Blanks Burden of Dreams {*} (1982), noch einmal aufgegriffen von Herzog selbst in dessen Mein liebster Feind {*} (1999).
Einige der hier anhand von Christopher Nolans »Die Odyssee« und anderen Filmen erarbeiteten Wertkriterien lassen sich, mutatis mutandis, auf AI Video übertragen, andere wiederum nicht.
| Ebene | Wertversprechen von »Die Odyssee« | Bedeutung für den KI-Film |
|---|---|---|
| Aufwand | Erbrachte Arbeitsleistung, Anzahl Beteiligter | KI-Filmen wird mühelose Kreation unterstellt, hier müsste geleistete Arbeit glaubwürdig als solche artikuliert werden |
| Stoff | tradierte Stoffgrundlage ist von Wert | gilt auch für AI Video |
| Werk | eigenständige Interpretation des bekannten Stoffes | gilt auch für AI Video |
| Herstellung | reale Orte und physische Effekte. | das Novum der Technologie erzeugt Staunen, fehlende Faktualität hier aber als Manko wahrgenommen. Vorteil von KI: größtmögliche Freiheit der Visualisierung »unmöglicher« Orte, Figuren oder untergegangener Zivilisationen |
| Vermittlung | der Film wird als einmaliges Kinoereignis inszeniert, Legendenbildung über die Herstellung. | KI-Filme werden mehrheitlich als generisch und wenig originell wahrgenommen, ihr Produktionsprozess ist weniger geeignet für die Legendenbildung |
Stop Motion, Zeichentrick, 3D, CGI, KI-Video: Wiederholt sich die Geschichte?
Gleichwohl die fotografische Reproduktion sterblicher, verletzlicher Menschen, konkreter Landschaft und echten Gegenständen fraglos wertvoller ist als deren Reproduktion auf Knopfdruck:
Kino war nie allein unvermittelte Wiedergabe von Wirklichkeit. Schon Kino-Pionier Georges Méliès war berühmt für seine Filmtricks. Bereits um 1900 ließ er Menschen verschwinden, verwandelte scheinbar Körper und ließ Raketen zum Mond fliegen, indem er Schnitte, Mehrfachbelichtungen, Bühnenbauten und handkolorierte Bilder kombinierte.
Später erweiterten Stop-Motion, Rückprojektion, Miniaturen und andere optische Effekte das Sichtbare.
Bahnbrechend war Walt Disneys Schneewittchen {*} (1937), der als erster abendfüllender Zeichentrickfilm im englischsprachigen Raum bewies, dass Animation auch über Spielfilmlänge tragen kann, gegen alle Skepsis der Branche. Disneys immenser kommerzieller Erfolg legte das Fundament für den abendfüllenden Animationsfilm als eigenständige Kinogattung.
Mit computergenerierten Bildern verschob sich die Grenze abermals.
Frühe 3D-Computeranimation und CGI (»Computer Generated Imagery«) wurden durchaus mit ähnlichen Vorbehalten betrachtet wie heute KI-Video.
Viele Filmschaffende glaubten zunächst nicht, dass CGI überzeugende Figuren oder organische Bewegungen erzeugen könne. Bei Jurassic Park {*} (1993) waren ursprünglich Animatronics und Go-Motion vorgesehen; selbst innerhalb der betrauten Firma ILM (Industrial Light & Magic) bezweifelte man, dass digitale Dinosaurier schon produktionsreif seien. Erst konkrete Tests überzeugten Regisseur Spielberg und sein Team.
Überdies sahen Zeichner, Stop-Motion-Spezialisten, Modellbauer und Puppenspieler ihre Arbeitsweisen bedroht. Der Gegensatz »Pencils vs. Pixels« begleitete die Animationsbranche über Jahrzehnte.
Toy Story {*} zeigte 1995, dass ein vollständig computeranimierter Langfilm ein großes Publikum erreichen konnte. Auch hier war, wie seinerzeit bei Schneewittchen, keineswegs selbstverständlich, dass ein 3D-Feature-Film vom Publikum angenommen würde.
Der Erfolg zeigte dann, dass Story, Figuren und Animation wichtiger waren als die Technik allein. Vor allem gilt wurde sie hier konzeptionell stimmig eingesetzt: Sie erschuf eine Welt, deren künstlicher Charakter zu lebendig gewordenen Spielzeugen passte.
Darin liegt ein Lerneffekt für den KI-Film. Auch er wird nicht dauerhaft durch den Neuigkeitswert seiner Bilder in Staunen versetzen. Breitere Akzeptanz wird ein KI-Film, zumal in der derzeitigen Übergangszeit, nur dann erlangen, wenn sein Verfahren zur erzählten Welt und zu den Erwartungen des Publikums passt.
Was sich überdies nicht verhehlen lässt:
Klassische 3D-Animation und CGI war in erster Linie ein neues Produktionswerkzeug, das weiterhin Modellierer, Animatoren, Beleuchter und viele Stunden gezielter Handarbeit erforderte.
Demgegenüber kann KI-Video vorhandene Werke und Darstellungen statistisch nachbilden, ferner Produktion stark automatisieren.
Infolgedessen kommen heute neue Fragestellungen hinzu, bezüglich …
- ungeklärter Trainings- und Urheberrechte,
- Nachahmung realer Personen ohne Zustimmung,
- Deepfakes und Desinformation,
- extrem niedriger Produktions- und Verbreitungsschwellen,
- möglicher Verdrängung von Kreativberufe, zumal auf Einstiegslevel.
En bref:
„Die damalige ästhetische und berufliche Skepsis gegenüber 3D-Animation und CGI ähnelt der heutigen KI-Debatte. Die rechtlichen und gesellschaftlichen Risiken von AI-Video gehen jedoch weit darüber hinaus.“
Rückblickend ist CGI außerdem nicht einfach an die Stelle menschlicher Arbeit getreten. Es hat bestimmte Berufsbilder verdrängt, zugleich aber neue Berufsfelder geschaffen.
Ob die KI-Video-Entwicklung langfristig einen vergleichbaren Verlauf nimmt oder ob es zu einer noch weiter gehenden Verdrängung und Automatisierung kommt, ist derzeit noch offen.
Statistische Genese vs. bewusst-kontrollierte Gestaltung
Die Fähigkeit, Bilder hervorzubringen, ist nicht mit der Fähigkeit gleichzusetzen, vermittels ihrer ein überzeugendes Bedeutungsangebot zu vermitteln.
Die klassische Debatte um Wert oder Unwert eines Films geht von bewussten ästhetischen Entscheidungen und einem hohen Maß von Kontrolle über dessen Gestaltung aus, zumal gemäß der Auteur-Theorie.
Denn die betrachtete den Film als Ausdruck der individuellen Handschrift des Regisseurs. Dabei entstand mitunter die Tendenz, nahezu jedes filmische Detail emphatisch als bewussten Ausdruck der Intention des »Autors« zu deuten.
Dessen ungeachtet beginnt Gestaltung dort, wo jemand begründet auswählt:
Wie wird erzählt und warum? Warum braucht die Geschichte genau dieses Bild? Was wird unterschlagen? Wie verändert sich ein Motiv? Und welche Beziehung besteht zwischen dem erzählten Inhalt, seinem Thema und seiner Form?
KI agiert »bedeutungsblind«, da sie statistischen Prozessen gehorcht. Überdies klagen menschliche KI-Video-Prompt-Engineers und AI-Filmemacher über nur mäßige Kontrolle und Konsistenz des KI-Outputs der zeitgenössischen Software, infolgedessen sie diesen mühsam über etliche Iterationen anpassen müssen.
Der Erfolg von KI-Mikro-Dramas und »Fruit Love Island«
Die bislang deutlichsten Erfolge vollumfänglich generierter Bewegtbilder entstehen derzeit nicht im abendfüllenden Spielfilm, sondern in kurzen, seriellen Formaten.
KI-Mikrodramen kommen den gegenwärtigen technischen Stärken und ökonomischen Vorteile der KI-Software zupass: Die Episoden dauern oft nur wenige Minuten, verwenden vertraute Genre- und Konfliktmuster, arbeiten mit schnellen Cliffhangern und müssen Figuren oder Räume nicht über zwei Kinostunden hinweg konsistent entwickeln (vgl. mein weiterführender Artikel zu Microdramas).
Interessant in der Diskussion von Akzeptanz von KI-Video ist die skurril-humorvolle Serie »Fruit Love Island«, eine KI-generierte Datingshow, deren Episoden via TikTok im Schnitt jeweils 10 Millionen Aufrufe erreichten.
[ KI-generiertes Bild, das in Sujet und Ästhetik »Fruit Love Island« ähnelt ]
»Fruit Love Island« zeigt anthropomorphe Obst-Figuren, die in einer Villa untergebracht sind, miteinander flirten, streiten und fremdgehen. Angelehnt ist die Serie an die Reality-Dating-Show »Love Island« (ITV bzw. RTL2).
Die gewisse Trashigkeit der Serie, ihre sichtbare Künstlichkeit wird offenbar nicht als Mangel empfunden, sondern als Teil des Humors, der connaissance du sujet voraussetzt. Niemand erwartet psychologische Glaubwürdigkeit von einer flirtenden Banane.
Fruit Love Island ließe sich, mit Susan Sontags Notes on Camp {*} (1964), als »campy« bezeichnen: Die bewusst und lustvoll zelebrierte, geschmacklose Übertreibung feiert Oberfläche, skurrilen Humor und Künstlichkeit.
KI-Content, so die Schlussfolgerung, wird offenbar zuerst dort akzeptiert, wo das Publikum ästhetische Qualität, Authentizität, dokumentarischen Realismus und überzeugendes Schauspiel erst gar nicht erwartet.
Was macht einen (KI-)Film wertvoll? Ein Kriterienmodell
Die Qualität eines KI-Films lässt sich schwerlich an seinem Budget, investierten Arbeitsstunden oder dem Anteil generierter Bilder ablesen.
Entscheidend ist das Zusammenspiel mehrerer Wertdimensionen. Sie machen sichtbar, ob ein Film lediglich verfügbare Möglichkeiten ausschöpft oder ob er eine eigenständige, verantwortete Form mit konzeptioneller Schlüssigkeit entwickelt.
Die erarbeiteten Kriterien gelten grundsätzlich auch für konventionell gedrehte Filme.
1. Einsatz: Ein Film sollte etwas riskieren
Bereits die Grundkonzeption und das Drehbuch können mehr oder weniger etwas wagen: An verspielter Originalität, frechem Zitatmix, geschmacklichen Wagnissen oder Reibung zu herrschenden Ideologien.
Wer eine Außenseiterperspektive einnimmt, riskiert in aller Regel mehr. Gelingt es, eine ungehörte, aber wichtige Stimme zu artikulieren, entsteht infolgedessen größerer Wert als bei risikoaverser Wiederholung des Erprobten und allseits Beliebten.
Gleiches gilt für die Umsetzung, die oftmals schon ein nicht unerhebliches finanzielles Risiko birgt.
Der britische Designtheoretiker David Pye unterschied in The Nature and Art of Workmanship {*} die vorhersehbare »workmanship of certainty« von einer »workmanship of risk«, bei der die Qualität des Ergebnisses während der Herstellung vom Können und Urteil konkreter Menschen abhängt.
Auf Film übertragen beschreibt dies den Unterschied zwischen einem weitgehend garantierten Resultat auf Knopfdruck und einer Produktion, bei der Licht, Wetter, Material, Körper und Zufall immer wieder neue Entscheidungen verlangen, oftmals noch unter Zeitdruck.
Menschliche Arbeit, körperliche Leistung und Transformation
Durch den höheren Aufwand und das höhere Risiko eines real gedrehten Film werden mitunter die involvierten Körper selbst zu Trägern von Production Value: Schauspielerinnen und Schauspieler trainieren schwierig auszuführende Bewegungen, wiederholen komplexe Abläufe und setzen Stimme, Mimik und körperliche Präsenz ein. Sichtbare Veränderungen wie Muskelaufbau, Gewichtszu- oder -abnahme verlangen hohen Einsatz und werden häufig als Beleg besonderen Engagements goutiert.
Auch Stunts, extreme Wetterbedingungen oder schwer zugängliche Drehorte schreiben reale Anstrengung in die Produktionsgeschichte ein.
Die erkennbare Leistung vertieft die Wahrnehmung eines Films und befeuert auch die Legendenbildung, weil das Publikum nicht keine künstliche Figur, sondern zugleich einen handelnden, körperlich agierenden, sterblichen, verletzlichen Menschen erkennt, der Lebenszeit, Muskelkraft, Disziplin und Engagement aufgebracht hat, um seine Kunstform auszuüben.
Welches Risiko kann ein KI-Film eingehen?
Einem KI-Film fehlt all das Vorgenannte. Materiellen und körperlichen Einsatz ahmt er lediglich nach, indem er spektakuläre Gefahrenbilder generiert.
Soll ein KI-Film besagten Wert durch Mut, Eingehen eines Risikos entwickeln, dann kann dies lediglich auf Ebene der eingenommenen Perspektive, kreativen Originalität, Provokation und Erwartungsbruchs, Interpretation und Perspektive geschehen.
Wünschenswert wäre überdies, gingen KI-Filmemacher:innen das Risiko der Verantwortung ein: KI-Creator sollten offenlegen, welche Daten, Darstellungen und synthetischen Eingriffe sie verwenden.
2. Originalität als verantwortete Transformation
Originalität bedeutet nicht, einen Film ohne Vorbilder, außerhalb etablierter Genres oder bereits vorhandene Stoffe zu erschaffen. Ich habe oben erwähnt, dass Christopher Nolans Die Odyssee einen Teil ihres Wert aus der Wahl einer jahrtausendealten Erzählung bezieht, überdies durch die eigenständige Neu-Interpretation.
Für einen KI-Film lautet die entscheidende Frage deshalb nicht, ob einzelne Bilder noch nie zuvor existiert haben. Wichtiger ist, ob hinter ihnen eine eigene Beobachtung, eine frische Perspektive und eine erkennbare Haltung stehen.
Generative Systeme kombinieren kulturell vorhandenes Material. Ohne menschliches Zutun wird KI geistloses Mittelmaß erzeugen. Ich rechne nicht damit, dass die immer weiter verbreitete Adoption der Technologie in der Breite zu ästhetischer Exzellenz führen wird.
Einerseits befürworte ich, dass sie jedermann und -frau Zugang zu Möglichkeiten bietet, sich kreativ zu verwirklichen.
Andererseits befürchte ich, dass die Produktionserleichterung mehrheitlich zu inhaltlich und gestalterisch mäßigen bis durchschnittlichen Ergebnissen führen wird.
Das bedeutet, dass Kreativität, Originalität und Sensibilität, auch ästhetische Erfahrung und kulturelles Wissen viel wichtiger werden.
Stilistisch rechne ich mit einer Remix-Ästhetik.
Der »Marty-McFly-Effekt«
Generative KI begünstigt einen irritierenden Effekt, in der sich Figuren durch bereits vertraute Filme, Genres und kulturelle Epochen bewegen, als könnten sie deren Bildwelten unmittelbar betreten.
Populär geworden sind in Sozialen Netzwerken geteilte Kurzvideos, in denen Avatare ihrer Creators ein bekanntes Filmset betreten, den Stadionplatz verlassen, um auf das Spielfeld eines Fußballspiels zu laufen, um mitzuspielen et cetera.
Dieses Betreten bekannter (Film-)Welten folgt einer Art Bricolage-Ästhetik. Ich bezeichne diese Spielart als »Marty-McFly-Effekt«. Denn in »Back to the Future Part II« {*} (USA 1989) beobachtet der Zeitreisende Marty McFly (Michael J. Fox) Ereignisse des ersten Films aus einer neuen Perspektive, sieht frühere Versionen seiner selbst, wird zum Besucher der eigenen Biografie, der eigenen (Film-)Geschichte.
Steven Spielberg Radikalisiert das Prinzip in »Ready Player One« {*} (USA 2018), in dessen virtueller Welt Requisiten, Figuren und Schauplätze der Popkultur grenzenlos verfügbar zu werden scheinen. So fahren die Spieler in dem Zeitmaschinen-DeLorean aus besagter »Back-to-the-Future«-Reihe und durchstreifen das Overlook Hotel aus Stanley Kubricks Stephen-King-Verfilmung »The Shining« {*} (UK/USA 1980).
KI kann solche Remix-Begegnungen mit geringem Aufwand erzeugen. Der Reiz liegt in der Wiedererkennung und in Kombinationen, die zuvor technisch oder rechtlich kaum realisierbar erschienen. Doch gerade darin liegt die Gefahr: Das Publikum erkennt viele einzelne Elemente, ohne dass aus ihrer Verbindung bereits neue Bedeutung oder ästhetische Innovation entstünde. Wiedererkennung kann Aufmerksamkeit erzeugen, eine eigenständige Stimme ersetzt sie nicht.
Zitat, Collage und Transformation
Der Umkehrschluss ist aber wiederum auch nicht triftig: Dass ein Werk aus bekannten Bestandteilen entsteht, macht es nicht automatisch weniger originell.
Das postmoderne Kino arbeitet seit Langem mit Zitaten, Genrebausteinen und übernommenen Motiven. Quentin Tarantino {*} verband etwa Samurai- und Yakuza-Film, Martial Arts, Italowestern, Kriegsfilm und Popmusik zu einer unverkennbaren eigenen Filmsprache.
Seine Originalität liegt in der überraschenden, ungewohnten Verbindung, in der Ambiguität.
Für KI-Filme ergibt sich daraus ein anspruchsvoller Maßstab: Es genügt nicht, eine Szene vom Look her nach Wes Anderson, eine Kampszene nach Tarantino oder eine Spannungsstruktur nach Christopher Nolan aussehen zu lassen.
Entscheidend ist, ob die Übernahme das Material verändert, überraschend kompiliert und für den konkreten Film eine neue Funktion erhält. Ein Zitat wird erst dann zur kreativen Transformation, wenn aus der Verbindung mehr entsteht als ein Konglomerat wiedererkennbarer Oberflächen.
Synthetische Auferstehung verstorbener Darsteller:innen
Besonders deutlich wird das Spannungsfeld zwischen Wiedererkennbarkeit und Originalität, wenn KI verstorbene Darstellerinnen und Darsteller auf die Leinwand zurückbringt.
Eine vertraute Stimme, ein Gesicht oder eine ikonische Rolle kann unmittelbar emotionale Resonanz erzeugen. Diese Wirkung stammt jedoch zunächst aus der früheren Arbeit des Menschen und aus den Erinnerungen des Publikums.
Der synthetische Auftritt muss deshalb mehr leisten als nostalgische Verfügbarkeit. Er braucht eine erzählerische Notwendigkeit, einen respektvollen Umgang mit der dargestellten Person und eine nachvollziehbare Zustimmung derjenigen, die über deren Rechte und ihr Vermächtnis verfügen.
Ich bin davon überzeugt: Das Publikum erkennt unmittelbar, wenn kulturelle Wiedererkennbarkeit lediglich kommerzieller Verwertung dient.
Gleichwohl ich dem spielerischen Umgang mit dem kulturellen Erbe im Sinne künstlerischer Freiheit keine engen Beschränkungen auferlegen mag, so wird doch ein ethischer Umgang mit demselben zu einem Bestandteil filmischer Qualität.
In dem Thema liegt aber auch eine Stärke von KI-Video.
Eine Stärke von KI-Video: Es haucht historischem Bildmaterial Leben ein
In dem Umstand, Verstorbene ins mediale Leben zurückzurufen, zumal solche, von denen nicht einmal Bewegtbild erstellt wurde, ist ein Vorzug von KI-Video.
Unbestritten ist von Wert, wenn klassische Filmproduktion in aufwändiger Kleinarbeit Darsteller:innen durch Kostüm, Maske und schauspielerischer Entwicklung und Aneignung eines spezifischen Habitus in historische Persönlichkeiten verwandeln.
KI Video kann demgegenüber direkt historische Bildquellen verwenden und sie in Bewegung versetzen.
Dies ist strukturell etwas völlig anderes und eine eigene Qualität von KI-Video. Wir sehen historische Figuren agieren, von denen bislang kein Bewegtbild verfügbar war. Wir bewegen uns in historischen Umgebungen, allesamt extrapoliert aus belegten Quellen.
Aus dieser Stärke von KI-Video kann fraglos etwas von Qualität entstehen.
3. Visuelle Intelligenz: vom perfekten Bild zu visueller Dramaturgie
Filmische Qualität zeigt sich auch darin, wie Räume, Farben, Formen, Bewegungen und Perspektiven über mehrere Einstellungen hinweg miteinander in Beziehung treten, sich gemeinsam mit der Geschichte entwickeln. Dabei lassen sich drei Stufen visueller Leistung unterscheiden:
| Ebene | Leistung des Bildes | typische Schwäche KI-generierter Videos |
|---|---|---|
| visuelle Attraktion | Das Bild weckt Aufmerksamkeit und Neugier oder hat Symbolwert | Alle Bilder wirken spektakulär, keine Steigerung, keine Bilddramaturgie, Eindruck von Künstlichkeit |
| visuelle Narration | Das Bild vermittelt Konflikt, Beziehung und Veränderung. | Die Einstellungen besitzen keinen dramaturgischen Zusammenhang und kein Schnittkonzept |
| visuelle Autorschaft | Wiederkehrende Entscheidungen bilden ein erkennbares und sich entwickelndes visuelles Regelsystem. | Eine geliehene Stiloberfläche setzt sich kontinuierlich fort. |
Einige AI Videos mögen auf der ersten Ebene überzeugen. Die Herausforderung ist aber, dass ein Bild nicht nurmehr interessant aussieht, sondern in Verbindung mit den übrigen Bildern tritt und im Verbund mit ihnen etwas erzählt. Und aus den Bildern in ihrer Entwicklung ein unverwechselbares visuelles Konzept erwächst, das den erzählten Inhalt gelungen vermittelt, illustriert, kontrastiert, befragt.
Originelle Visualität mit Wiedererkennungswert statt Stil-Imitation
Eine eigenständige Bildsprache macht ihre:n Urheber:in oder zumindest dessen Worldbuilding bereits in einzelnen Einstellungen erkennbar.
Regisseur Wes Anderson erreicht dies durch wiederkehrende Symmetrien, begrenzte Farbpaletten, frontale Räume in Zentralperspektive, Typografie, Requisiten und kontrollierte Kamerabewegungen.
[ KI-generiertes Bild im Wes-Anderson-Stil. ]
Die strenge Ordnung seiner Bilder steht häufig im Kontrast zu emotionaler Unordnung, Verlust und dysfunktionalen Beziehungen der Handlung von Filmen wie The French Dispatch {*}, Darjeeling Limited {*}, Der fantastische Mr. Fox {*}, Grand Budapest Hotel {*} oder Der phönizische Meisterstreich {*}.
Lars von Trier nutzte in Epidemic {*} den Filmtitel als permanentes »Cornerlogo«, verwandelte ein vermeintlich störendes Zeichen in eine formale Regel des Films und sorgte so dafür, dass jeder Screenshot sogleich auch den Titel des Films in Erinnerung rief.
Generative KI kann solche Merkmale leicht imitieren. Visuelle Autorschaft beginnt aber erst mit der Frage, warum eine Regel existiert, was sie erzählt und wann sie gebrochen wird.
Ein wiedererkennbarer Look wird erst dann zum Stil, wenn er nicht nur das Gewand prägt, in das sich die Bilder kleiden, sondern auch die Bedeutung des vermittelten Inhalts.
4. Schlüssigkeit des Konzepts: Warum Kontrolle an KI abgeben?
Das klassische Autorenkino verbindet künstlerische Qualität mit möglichst vollständiger Kontrolle: Jede Bewegung, Farbe und Platzierung im Bild soll auf eine bewusste Entscheidung zurückgehen.
Kunst kann jedoch auch Zufall, Materialwiderstand und unvorhersehbare Ergebnisse produktiv einbeziehen, so übertrug beispielsweise der Max Ernst per sogenannter Grattage zufällige Oberflächenstrukturen auf eine Leinwand und nutzte die Strukturen als Inspiration für sein Gemälde La forêt / Der Wald (1927–28). Die Noten von Marcel Duchamps Musikstück Erratum musical (1913) wurden durch ein Zufallsverfahren gewählt.
Der dänische Regisseur Lars von Trier verwendete für The Boss of It All {*} beispielsweise sein eigens entwickeltes Verfahren namens »Automavision«. Nachdem das Bild eigentlich bereits klassisch eingerichtet ist, verändert ein Computersystem per Zufall Bildausschnitt, Brennweite, Neigung et cetera.
Lars von Trier gab also die Kontrolle nicht aus Bequemlichkeit ab, sondern zugunsten des formalen Experiments: Die unberechenbare Kadrierung störte gewohnte Bildkonventionen und passte zur instabilen Ordnung der erzählten Bürowelt.
Warum erwähne ich hier, dass die aleatorische Einbindung des Zufälligen für die Kunst von Wert sein kann?
Weil derzeit für gewöhnlich die mangelnde Kontrolle über den Output von KI Video als minderwertig befunden wird. Ich kann mir aber vorstellen, dass ästhetische Experimente dieses Potenzial gezielt für sich einsetzen und ausstellen, aus der Not eine Tugend machen, indem sie sie konzeptionell integrieren.
Wenn der Kontrollverlust eine inhaltliche Funktion besitzt und als solcher bedeutsam für die Aussage eines KI-Films wird, halte ich für denkbar, dass insgesamt ein wertvolles Werk entsteht.
Werden Ergebnisse allerdings lediglich deshalb übernommen, weil das System sie zufällig angeboten hat, entsteht keine Offenheit, sondern Beliebigkeit.
Die konzeptionelle Prüfung
Wenn der Einsatz von KI allein mit Zeitersparnis oder technischer Verfügbarkeit begründet wird und das Ergebnis dann für vergleichsweise wertloser erachtet wird, nimmt dies nicht wunder.
Wenn ein KI-Film die Frage »Warum ist ein synthetisches oder nur begrenzt kontrollierbares Bild an dieser Stelle sinnvoll?« nachvollziehbar beantwortet, halte ich für denkbar, dass konzeptionelle Stimmigkeit und auch Wert entstehen können.
Die zunächst rein produktionsrelevant erscheinende Frage »Welche Entscheidungen bleiben bewusst beim Menschen, und wer übernimmt die Verantwortung für das Ergebnis?« können, künstlersich gewendet, zu spannenden ästhetischen Experimenten führen, zumal bei hybriden Produktionen – etwa, wenn ein Film das Thema verhandelt, wie Technologie unsere Erinnerungen instabil, unsere Identitäten unsicher, unsere Wahrnehmung unzuverlässig macht und unser Misstrauen an der Wirklichkeit weckt oder Schein und Sein ununterscheidbar werden, bspw. durch Deep Fakes.
So bespiegeln sich Verfahren, Form und Inhalt gegenseitig. Wert entsteht nicht trotz der Abgabe von Kontrolle, sondern aufgrund derselben, sie ist eminentes Bestandteil des Konzepts ist.
5. Menschliche Resonanz: das abschließende Qualitätsurteil
Schlussendlich entscheidet sich die Qualität eines Films nicht daran, wie aufwendig oder neuartig er produziert wurde, sondern daran, ob seine Entscheidungen beim Publikum eine Wirkung entfalten.
Löst er nur kurz Irritation oder Überraschung aus? Oder fordert er emotional oder intellektuell? Erscheinen Figuren und Konflikte glaubwürdig? Ist eine Haltung erkennbar, an der man sich reiben kann?
Menschliche Resonanz bedeutet nicht, dass ausschließlich reale Menschen vor der Kamera stehen müssen. Auch Animation, Puppenspiel oder vollständig synthetische Bilder können Trauer, Komik, Nähe und Erkenntnis erzeugen.
Resonanz verbindet alle bisher erörterten Kriterien: Einsatz, Originalität, visuelle Intelligenz, konzeptionelle Stimmigkeit und Verantwortung.
Hier eine Übersicht, welche Leitfragen KI-Filmemacher:innen vor dem ersten Prompt und dem Iterieren beantworten sollten und auf welche Warnsignale sie achten sollten, wenn sie etwas von Wert kreieren möchten.
| Wertdimension | Leitfrage | Warnsignal |
|---|---|---|
| Einsatz und Risiko | Was steht für die Beteiligten künstlerisch, materiell oder kommunikativ auf dem Spiel? | Der Film wirkt folgenlos und ohne erkennbare Entscheidungen erzeugt. |
| Originalität und Perspektive | Welche eigene (oder bislang unterrepräsentierte) Sicht verwandelt das bearbeitete Thema und Material? | Bekannte Inhalte und Stile und Motive werden uninspiriert reproduziert. |
| visuelle Narration | Was erzählt das Bild, was Handlung und Dialog nicht bereits sagen? Gibt es eine Bilddramaturgie? | Attraktive Einzelbilder ergeben keine Entwicklung. |
| Stimmigkeit und Verantwortung | Welche Aussage trifft der Film? Welche Haltung wird erkennbar? Warum wird gerade hier Kontrolle an die KI abgegeben? | Das Verfahren besitzt keine inhaltliche oder konzeptionelle Begründung. |
| menschliche Resonanz | Was bleibt nach dem technischen Überraschungseffekt? | Der Film ist makellos, erzeugt aber weder Nähe noch Reibung, verführt nicht zu Debatte und Austausch. |
Wechselwirkung KI- und klassischer Film: Reales Ereignis als Production Value
Je schwerer sich reale und synthetische Bilder unterscheiden lassen, desto wichtiger wird die Frage nach ihrer Herkunft.
Ein Publikum kann künftig nicht mehr selbstverständlich davon ausgehen, dass der sichtbare Ort profilmisch real existiert, eine Person die gezeigten Worte gesprochen oder ein Ereignis tatsächlich vor einer Kamera stattgefunden hat.
Dadurch verändert sich auch die Relevanz von Making-of-Material, Werkstattberichten und transparenten Angaben zum Produktionsprozess »klassisch« produzierter Filme.
Diese Paratexte werden vom beiläufigen Zusatz zum Provenienzbeleg, Echtheits-Gütesiegel und Qualitätsnachweis.
Die Entstehungsgeschichte prägt die Wahrnehmung des Films. Dies war freilich schon immer so, was die oben angeführte Legendenbildung zur Produktion von Filmklassikern belegt.
Das Wissen, dass eine Handlung real ausgeführt, ein Ort tatsächlich erreicht und eine Leistung tatsächlich gemeinsam vor (und hinter) der Kamera erbracht wurde, avanciert zu einem umso erheblicheren Faktor.
Reale Landschaften, gebaute Sets, physische Requisiten, ausgeführte Stunts und das Zusammenspiel von Darstellenden hinterlassen Spuren, die über glatte Bildperfektion hinausgehen. Ihr Wert liegt nicht zwangsläufig in größerem Realismus, sondern in der gemeinsamen Leistung und der flüchtigen Unwiederholbarkeit des Moments.
Das Publikum sieht nicht nur, was dargestellt wird, sondern weiß zugleich, dass vor der Kamera ein Ereignis choreografiert, organisiert, riskiert und bewältigt wurde.
Production Value bezeichnet damit künftig möglicherweise nicht mehr allein, wie teuer ein Film aussieht. Er kann auch dafür stehen, wie nachvollziehbar seine sichtbare Welt hergestellt und durch reale Entscheidungen hervorgebracht wurde.
Wenn sich spektakuläre Bilder immer leichter synthetisch erzeugen lassen, wird das tatsächlich stattgefundene Ereignis selbst zum knappen Gut.
Tatsächliches Sich-Ereignet-Haben wird zu einem Gradmesser für den Werts eines Films und wird womöglich auch Konzeption und Ästhetik künftiger Filme verändern. Schon jetzt bevorzugen einige Publika Social-Media-Content, der bewusst ungeschminkt und roh, beinahe billig daherkommt. Womöglich wird der Verzicht auf Ästhetisierung, das Dem-Unperfekten-den-Vorzug-Geben künftig auch Kino, Streaming und Co stärker prägen als bisher.
Was bedeutet das für Imagefilm, Unternehmensfilm und Social Media?
Für Unternehmenskommunikation gelten strengere Akzeptanzbedingungen als für einen unterhaltsamen KI-Clip. Ein Microdrama darf offensichtlich künstlich sein, solange es Aufmerksamkeit erzeugt und sein Publikum bindet, weil es genau dieses günstige, schnelle »Disposable-Pleasure« sucht.
Ein Imagefilm will aber Vertrauen herstellen und Werte und Qualität beglaubigen.
Je stärker eine Botschaft reale Leistungen, Erfahrungen oder Werte belegen soll, desto wichtiger werden nachvollziehbarer Ursprung der Bilder und menschliche Verantwortung.
Die Frage lautet deshalb nicht pauschal: Soll KI eingesetzt werden, ja oder nein. Sondern: Welche Produktionsweise passt zur jeweiligen Kommunikationsaufgabe?
| Kommunikationsaufgabe | Realfilm | KI-Video | Hybrid | Begründung |
|---|---|---|---|---|
| Mitarbeiter- und Kundengeschichten | sehr geeignet | kritisch | weniger geeignet | Reale Erfahrungen und Vertrauen stehen im Mittelpunkt. |
| Recruiting und Arbeitgebermarke | sehr geeignet | kritisch | weniger geeignet | Synthetische Personen und Schauplätze schwächen das Authentizitätsversprechen. |
| Produkt- oder Leistungsbeleg | sehr geeignet | ungeeignet als Beweis, geeignet zur Visualisierung sonst schwer nachvollziehbarer Prozesse | ungeeignet als Beweis, geeignet zur Visualisierung sonst schwer nachvollziehbarer Prozesse | Tatsachen müssen nachvollziehbar und überprüfbar bleiben. |
| abstrakte Zukunftsvision | aufwändig | geeignet, wenn als solche annonciert | geeignet, wenn als solche annonciert | Noch nicht existente oder nicht filmbare Szenarien werden anschaulich. |
| Erkläranimation | geeignet | sehr geeignet | sehr geeignet | Die Erwartung dokumentarischer Echtheit ist gering. |
| Varianten und Lokalisierung | eingeschränkt | sehr geeignet | sehr geeignet | KI schafft Effizienz, ohne zwingend die Kernaussage zu verändern. |
Imagefilm: KI braucht einen Wahrheitsanker
Ein Imagefilm verdichtet die Identität eines Unternehmens zu einer erzählten und visuell erfahrbaren Vorstellung. KI kann dabei abstrakte Strategien und zukünftige Szenarien sichtbar machen, auch metaphorische Bilder kreieren, die sich real nur schwer drehen ließen.
Problematisch wird AI Video, wenn eine generierte Hochglanzwelt an die Stelle tatsächlicher Unternehmensrealität tritt: Synthetische Mitarbeitende, erfundene Produktionsumgebungen oder nur behauptete Leistungen untergraben das Vertrauen, das der Film eigentlich erzeugen soll.
Ein überzeugender KI-Imagefilm benötigt deshalb einen Wahrheitsanker: reale Menschen, Produkte, Orte, Erfahrungen oder überprüfbare Aussagen, mit denen sich die generierten Bilder verbinden.
KI-Video kann eine vorhandene Identität illustrativ erweitern. Es sollte nicht fehlende Substanz ästhetisch kaschieren. Sonst verspielt es mit der Glaubwürdigkeit zugleich die Reputation.
Unternehmensfilm: Glaubwürdigkeit vor visueller Perfektion
Je stärker ein Unternehmensfilm Tatsachen vermittelt, desto größer sollte der Vorbehalt sein, synthetische Bilder einzusetzen. In Testimonials, Führungskommunikation, Recruiting sowie Mitarbeiter- und Kundengeschichten sollten sie lediglich dem Visualisieren von ansonsten Unsichtbarem dienen, etwa den Blick in eine Maschine zur Illustration der Funktionsweise zeigen, wie es z.T. immer noch 3-D-Animationen leisten. Hierbei sollten die synthetischen Bilder aber als solche erkennbar, womöglich gelabelt sein.
Reale Aussagen benötigen reale Belege. Transparenz ist dabei kein störender Hinweis, sondern schafft Vertrauen: Wer nachvollziehbar erklärt, welche Elemente generiert wurden und welche Entscheidungen beim menschlichen Team lagen, macht Verantwortung sichtbar und schützt seine Glaubwürdigkeit.
Social Media: Aufmerksamkeit ist noch keine Resonanz
KI-Video für Social Media einzusetzen, wirkt sehr verführerisch: Ungewöhnliche Bilder, schnelle Varianten und hohe Veröffentlichungsfrequenzen lassen sich vergleichsweise günstig erzeugen.
Die Form muss aber unbedingt zu den Inhalten passen. Denn auch hier kann die Künstlichkeit synthetischer Bilder zum Bumerang werden, Glaubwürdigkeit und Reputation beschädigen.
Doch der visuelle Überraschungseffekt nutzt sich ab, sobald viele Accounts dieselben Transformationen, Kamerafahrten und Hochglanzoberflächen verwenden. Ein einzelner viraler Clip schafft deshalb noch keine wiedererkennbare Kommunikation. Wertvoller ist eine Bildsprache, die sich über eine Serie hinweg entwickeln lässt und eindeutig zu ihrem Absender passt. Jeder Beitrag benötigt zudem einen dramaturgischen Punkt: eine Beobachtung, einen Konflikt, eine überraschende Wendung oder eine klare Haltung. KI kann Aufmerksamkeit stoppen. Ob daraus Erinnerung, Vertrauen oder Bindung entsteht, entscheidet jedoch die menschlich geführte Idee hinter dem Clip.
Die stärkste B2B-Regel: KI für Möglichkeiten, nicht für Bedeutung
Für Unternehmen und Agenturen lässt sich daraus eine einfache Leitlinie ableiten: Nutzt KI für Möglichkeiten, nicht für Bedeutung. Generative Systeme können Varianten produzieren, Texte übersetzen, Storyboards vorbereiten, abstrakte Prozesse visualisieren und Bildwelten erschaffen, die sich real nur mit unverhältnismäßigem Aufwand drehen ließen. Sie können aber nicht aus eigener Verantwortung entscheiden, welches Bild zur Identität eines Unternehmens passt, welche kulturellen Assoziationen es auslöst oder ob eine Geschichte glaubwürdig ist. Diese Entscheidungen dürfen nicht unsichtbar an ein System delegiert werden. Die wahrscheinlich stärkste Produktionsform ist deshalb häufig der Hybridfilm: KI erweitert den visuellen Möglichkeitsraum, während Menschen Perspektive, Dramaturgie, Auswahl und Verantwortung bestimmen.
Der Originalitäts- und Qualitätscheck für KI-Filme
Vor der Veröffentlichung eines KI-Films, Imagefilms oder Social-Media-Clips helfen zehn Fragen dabei, technische Faszination von gestalterischer Qualität zu unterscheiden:
- Eigene Beobachtung: Welche Erfahrung, Recherche oder konkrete Beobachtung steckt im Film?
- Perspektive: Welche erkennbare Haltung nimmt er zu seinem Gegenstand ein?
- Auswahl: Warum werden genau diese Bilder gezeigt – und andere bewusst ausgelassen?
- Transformation: Werden Einflüsse in etwas Eigenständiges verwandelt oder nur oberflächlich imitiert?
- Form und Inhalt: Warum muss diese Geschichte gerade mit den gewählten filmischen und technischen Mitteln erzählt werden?
- Beschränkung: Welche bewusst gesetzten Grenzen verhindern beliebige Bilderfülle?
- Risiko: Was steht künstlerisch, materiell oder kommunikativ auf dem Spiel?
- Visuelle Entwicklung: Verändert sich die Bildsprache gemeinsam mit Figuren, Konflikt und Handlung?
- Verantwortung: Wer kann die gestalterischen Entscheidungen erklären und verteidigen?
- Resonanz: Was bleibt bestehen, nachdem der technische Überraschungseffekt verschwunden ist?
Je präziser diese Fragen beantwortet werden können, desto eher wird aus generiertem Bewegtbild ein verantworteter Film mit eigener Stimme.
Fazit: Nicht Mensch oder KI, sondern sichtbare Verantwortung
Die Zukunft des Films wird sich voraussichtlich nicht zwischen vollständig KI-generierten Produktionen und demonstrativ technikfreiem Kino entscheiden. Wahrscheinlicher ist ein dreigeteilter Markt: skalierbarer KI-Content für kurze, variantenreiche und personalisierte Formate; menschlich geführte Hybridproduktionen, in denen KI einzelne Aufgaben oder Bildwelten übernimmt; und ein handwerkliches Premiumsegment, das reale Herstellung, physische Erfahrung und erkennbare Autorschaft bewusst zum Qualitätsversprechen macht.
Christopher Nolans »Die Odyssee« steht exemplarisch für dieses Premiumsegment. Ihr Wert ergibt sich nicht allein daraus, dass reale Orte, schwere Kameras und praktische Effekte zum Einsatz kamen. Entscheidend ist, dass Verfahren, Stoff und Vermarktung ein zusammenhängendes Versprechen bilden: Diese Reise besitzt Gewicht, weil sie sichtbar gestaltet, körperlich bewältigt und persönlich verantwortet wurde. Ein KI-Film kann ebenfalls wertvoll sein – aber nicht, indem er diesen Aufwand lediglich simuliert. Er muss seine eigenen Formen des Einsatzes, der Originalität und der visuellen Autorschaft entwickeln.
Damit führt die Debatte zurück zu Homers Epos. Die Bedeutung einer Odyssee entsteht nicht aus der unbegrenzten Zahl möglicher Wege, sondern aus den Hindernissen, Entscheidungen und Veränderungen einer tatsächlich vollzogenen Reise. Im KI-Zeitalter gilt Ähnliches für den Film: In einer Welt unbegrenzt erzeugbarer Bilder wird nicht das Bild knapp, sondern das begründete kreative Urteil.
FAQ
Was bedeutet Odyssee?
Eine Odyssee ist im übertragenen Sinn eine lange, schwierige Reise voller Umwege, Hindernisse und unerwarteter Erfahrungen. Der Begriff geht auf Homers Epos »Odyssee« zurück, das von der zehnjährigen Heimkehr des griechischen Königs Odysseus nach dem Trojanischen Krieg erzählt. Heute wird das Wort auch für langwierige Projekte, Irrfahrten oder persönliche Entwicklungswege verwendet.
Worum geht es in Homers Odyssee?
Homers »Odyssee« erzählt von der Heimreise des Odysseus nach dem Trojanischen Krieg. Auf seinem Weg nach Ithaka begegnet er unter anderem dem Kyklopen Polyphem, der Zauberin Kirke, den Sirenen und der Nymphe Kalypso. Währenddessen wartet seine Frau Penelope auf ihn und sein Sohn Telemachos sucht nach Spuren des Vaters. Das Epos handelt von Heimkehr, Identität, List, Versuchung und den Folgen des Krieges.
Was haben Achilles und der Trojanische Krieg mit der Odyssee zu tun?
Achilles ist eine zentrale Figur der »Ilias«, Homers Epos über den Trojanischen Krieg. Die »Odyssee« setzt nach diesem Krieg ein und erzählt die Heimreise des Odysseus. Beide Werke sind daher eng verbunden. In der Unterwelt begegnet Odysseus auch dem verstorbenen Achilles, der den Ruhm des Heldentodes ernüchtert beurteilt.
Welche Filme basieren auf der Odyssee?
Zu den bekannten Adaptionen gehören Mario Camerinis »Ulysses« von 1954, Franco Piavolis experimenteller »Nostos: The Return« von 1989 und Uberto Pasolinis »The Return« von 2024. Die Coen-Brüder verlegten zentrale Motive in »O Brother, Where Art Thou?« frei in die amerikanischen Südstaaten. Christopher Nolans »Die Odyssee« von 2026 übersetzt Homers Epos schließlich in ein großformatiges Kinoereignis.
Worum geht es in Christopher Nolans Film »Die Odyssee«?
Christopher Nolans »Die Odyssee« adaptiert Homers Epos über die Heimreise des Odysseus nach dem Trojanischen Krieg. Der Film verbindet die bekannten Stationen der Irrfahrt mit einer Auseinandersetzung über Krieg, Schuld, Identität und Heimkehr. Matt Damon spielt Odysseus. Nolan inszenierte die Geschichte an internationalen Schauplätzen und als ersten Spielfilm vollständig mit IMAX-Filmkameras.
Hat »2001: Odyssee im Weltraum« etwas mit Homer zu tun?
Stanley Kubricks »2001: Odyssee im Weltraum« ist keine direkte Verfilmung von Homers Epos. Der Titel greift die Odyssee als Grundform einer langen, existenziellen Reise auf. Statt über das Meer führt sie in den Weltraum und an die Grenzen menschlicher Erkenntnis. Gemeinsam sind beiden Werken die Begegnung mit dem Unbekannten und die Veränderung der Reisenden.
Welche Rolle spielt künstliche Intelligenz in »2001: Odyssee im Weltraum«?
Die künstliche Intelligenz HAL 9000 steuert die wesentlichen Funktionen des Raumschiffs Discovery. Als HAL seine Ziele durch die menschliche Besatzung gefährdet sieht, wird aus dem Assistenzsystem eine tödliche Kontrollinstanz. Der Film prägte damit nachhaltig die Vorstellung einer ruhig und rational auftretenden KI, deren Entscheidungen für Menschen undurchschaubar werden.
Was ist ein AI Video beziehungsweise KI-Video?
Ein AI Video oder KI-Video ist ein Bewegtbildformat, bei dessen Herstellung künstliche Intelligenz eingesetzt wird. KI kann beispielsweise Drehbücher, Bilder, Animationen, Stimmen, Musik oder Übersetzungen erzeugen. Der Begriff umfasst sowohl klassisch gedrehte Videos mit einzelnen KI-Elementen als auch überwiegend oder vollständig synthetische Produktionen ohne Live-Dreh.
Was unterscheidet einen KI-Film von einem KI-generierten Videoclip?
Ein KI-generierter Videoclip kann aus einer einzelnen kurzen Einstellung oder einer visuellen Idee bestehen. Ein KI-Film muss dagegen Figuren, Räume, Motive und Konflikte über längere Zeit konsistent entwickeln. Dafür benötigt er Dramaturgie, Montage, Spannungssteuerung und eine zusammenhängende Bildsprache. Technisch beeindruckende Einzelbilder ergeben deshalb noch keinen überzeugenden Film.
Kann man mit KI einen vollständigen Film erstellen?
Mit KI lassen sich bereits Drehbuchteile, Bilder, Bewegungen, Stimmen, Musik und Montageelemente für einen vollständigen Film erzeugen. Lange Produktionen bleiben jedoch anspruchsvoll, weil Figurenkonsistenz, räumliche Logik, emotionale Entwicklung und visuelle Kontinuität gesichert werden müssen. Auch ein vollständig KI-generierter Film benötigt daher menschliche Konzeption, Auswahl, Regie und Nachbearbeitung.
Wie kann ich kostenlos ein AI-Video erstellen?
Einige AI-Video-Generatoren bieten kostenlose Testversionen, begrenzte Nutzungskontingente oder einzelne Gratis-Credits an. Meist wird zunächst ein Text oder Bild hochgeladen, aus dem das System eine kurze Videosequenz erzeugt. Kostenlose Angebote sind häufig bei Auflösung, Länge, Export, Wasserzeichen oder kommerzieller Nutzung eingeschränkt. Vor der Veröffentlichung sollten deshalb Nutzungsbedingungen und Bildrechte geprüft werden.
Ist AI Video kostenlos?
AI Videos können teilweise kostenlos erstellt werden, umfangreichere Produktionen verursachen jedoch in der Regel Kosten. Bezahlmodelle richten sich häufig nach Videolänge, Auflösung, Rechenaufwand oder Zahl der generierten Varianten. Hinzu kommen menschliche Leistungen für Konzeption, Auswahl, Schnitt, Ton und Qualitätskontrolle. Ein kostenlos erzeugter Clip ist daher nicht mit einer kostenfreien professionellen Filmproduktion gleichzusetzen.
Wie heißt Googles Video-KI?
Googles generatives Videomodell heißt »Veo«. Die jeweils aktuelle Version und ihre verfügbaren Funktionen können sich verändern; derzeit führt Google DeepMind das Modell als »Veo 3.1«. Veo erzeugt Videosequenzen aus Text- oder Bildvorgaben und kann auch audiovisuelle Elemente miteinander verbinden. Die genaue Produktbezeichnung sollte unmittelbar vor Veröffentlichung des Artikels noch einmal geprüft werden. Google DeepMind
Woran erkennt man ein hochwertiges KI-Video?
Ein hochwertiges KI-Video besitzt mehr als eine makellose Oberfläche. Es verfolgt eine erkennbare Idee, entwickelt eine konsistente Bildsprache und verbindet Form und Inhalt. Figuren, Räume, Bewegung, Montage und Ton unterstützen dieselbe Aussage. Entscheidend ist außerdem, dass der KI-Einsatz konzeptionell begründet ist und Menschen die gestalterischen Entscheidungen nachvollziehbar verantworten.
Wann eignet sich KI für einen Imagefilm oder Unternehmensfilm?
KI eignet sich besonders für abstrakte Zukunftsbilder, Erkläranimationen, Previsualisierungen, Übersetzungen und schwer realisierbare Szenarien. Vorsicht ist bei Testimonials, Recruiting, Mitarbeitergeschichten und dokumentarischen Aussagen geboten. Je stärker ein Film Vertrauen in reale Menschen und Leistungen herstellen soll, desto wichtiger sind echte Aufnahmen oder eine transparent gestaltete Hybridproduktion.
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| Priorität | Motiv und Einsatz | Lizenz | Empfohlener Credit |
|---|---|---|---|
| 1 | Nolan, Matt Damon, Emma Thomas und Anne Hathaway – stärkstes Hero-Motiv, weil es Zusammenarbeit und menschliche Autorschaft zeigt | CC BY-SA 4.0 | Foto: Philip Romano / Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0 |
| 2 | Christopher Nolan im IMAX-Seitenverhältnis – Alternative für den Nolan-Abschnitt | CC BY-SA 4.0 | Foto: Philip Romano / Wikimedia Commons, CC BY-SA 4.0 |
| 3 | »Ulysses and the Sirens« von John William Waterhouse – ideal für Homers Odyssee, Prüfungen und Widerstände | Public Domain | John William Waterhouse: »Ulysses and the Sirens«, 1891 / Wikimedia Commons, gemeinfrei |
| 4 | Homer-Büste im British Museum – sachliches Motiv für Bedeutung und Ursprung der Odyssee | Public Domain | Foto: JW1805 / Wikimedia Commons, gemeinfrei |
| 5 | Dreharbeiten am »Ready Player One«-Set in Birmingham – sehr gut für den Gegensatz zwischen realer Herstellung und digitaler Remixwelt | CC BY 3.0 | Foto: Dan Shepperd / Wikimedia Commons, CC BY 3.0 |
| 6 | Hill Valley/Courthouse Square 1991 – stärkstes Motiv für den »Marty-McFly-Effekt« und die wiederholte Umcodierung einer Filmwelt | CC BY-SA 2.0 | Foto: stephansanders / Wikimedia Commons, CC BY-SA 2.0 |
| 7 | DeLorean mit Hoverboard – unmittelbar verständliches Motiv für Wiedererkennbarkeit, Zitat und kulturelles Sampling | CC BY-SA 2.0 | Foto: Chris Hunkeler / Wikimedia Commons, CC BY-SA 2.0 |
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ChatGPTs Auswahl
Für den Artikel würde ich nur fünf fremde Motive verwenden:
- Hero: Nolan, Damon, Thomas und Hathaway
- Bedeutung der Odyssee: Waterhouses »Ulysses and the Sirens«
- Marty-McFly-Effekt: Hill Valley oder DeLorean – nicht beide zwingend
- Remix und Production Value: »Ready Player One«-Set
- Nolan-Abschnitt: freigegebenes echtes Produktionsfoto mit IMAX-Kamera, falls Universal eines bereitstellt
Dazu drei eigene Grafiken:
- die vier Akzeptanzstufen,
- das Schonology-Kriterienmodell,
- die Realfilm–KI–Hybrid-Matrix.
Eigene Grafiken sind für die KI-Passagen stärker als generische Roboter-, Gehirn- oder Computercode-Stockbilder.
Nicht automatisch frei nutzbar
Für folgende Motive habe ich keine überzeugenden frei lizenzierten Filmstills gefunden:
- Szenenbilder aus Nolans »Die Odyssee«
- HAL 9000 beziehungsweise »2001: Odyssee im Weltraum«
- Wes-Anderson-Filmstills
- Tarantino-Szenenbilder
- »Fruit Love Island«
- »Mahabharat: Ek Dharmayudh«
- andere KI-Microdramas
Hier besser:
- offizielle Trailer einbetten,
- eine Nutzungserlaubnis beim Rechteinhaber einholen,
- oder eine eigene Datenvisualisierung erstellen.
Bei CC-BY-Lizenzen müssen Urheber und Lizenz genannt und die Lizenz verlinkt werden. Bei CC BY-SA muss eine bearbeitete Bildfassung – etwa ein eigener Beschnitt mit Gestaltungselementen – zusätzlich unter einer kompatiblen Share-Alike-Lizenz stehen. Die offene Fotolizenz beseitigt außerdem nicht automatisch mögliche Marken- oder Persönlichkeitsrechte; die Motive daher redaktionell verwenden und nicht wie eine Werbeempfehlung der abgebildeten Personen inszenieren.
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